Te propongo algunas películas, directores y actores a seguir. También te informaré de las noticias más relevantes del mundo del cine. Sólo hay un problema, te tienes que fiar de mi gusto.
De nuevo he podido ver una película de Nicolas Winding Refn y de nuevo me ha vuelto a parecer alucinante. El realizador danés imprime otra vez su personal sello sobre una cinta de acción y el resultado es de lo más sugerente. La fotografía, el uso de la música, el montaje... todo, como en cintas anteriores del director, tiene como objetivo crear un universo entre lo onírico y lo real que convierten esta historia, parecida en muchos sentidos a otras que hemos visto repetidas veces, en algo más grande y más determinado a permanecer en la retina del espectador. En el reparto muchos nombres a destacar: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Christina Hendricks, Bryan Cranston, Oscar Isaac o Albert Brooks (quien ya suena en la lista de actores oscarizables). La primera escena es toda una declaración de intenciones de lo que vamos a ver: un thriller denso, elegante, bello y memorable. Una película para salir de ella y decirnos: por esto me gusta el cine.
El director Quentin Dupieux nos sorprendió (y con "nos sorprendió" quiero decir que nos dejó a cuadros) con su anterior película Rubber. En breve estrenará su nueva película que será, presumiblemente, igual de marciana y quizás (sólo quizás) igual de buena. En todo caso se tratará de una cinta que habrá que tener controlada. Se espera que las primeras reacciones lleguen en enero desde Sundance. Lo más seguro es que se diga eso de "Wrong dividió a la crítica y al público". Pero... ¿no se dice eso de todas las que valen la pena?
Hoy voy a hablarles de un recurso cinematográfico recurrente como tantas otras veces he hecho. Sin embargo en esta ocasión se trata de una curiosidad más que de algo que nos ayude a entender mejor esto del séptimo arte. Les voy a hablar del grito Wilhelm, un clásico de entre los clásicos de los gritos proferidos en pantalla. Se trata de un alarido que pasa de un tono agudo a otro más agudo todavía y que generalmente queda muy bien cuando el personaje que lo suelta sufre una caída mientras está gritando. El sonido parece sugerir un gran sufrimiento como el que se le puede adivinar al personaje al que se le pudo escuchar por primera vez en el cine: Era devorado por un caimán en la película Tambores lejanos en 1951:
Pero, ¿por qué se llama grito Wilhelm? El grito se utilizó fue dos años más tarde en la cinta La carga de los jinetes indios y en ésta el personaje que emite el ya mítico chillido se llama efectivamente Wilhelm:
Este sonido se ha utilizado en más de 100 películas (además de en videojuegos o series de televisión). Entre otras destacan todas las de las sagas Star Wars, Indiana Jones, El señor de los anillos o Piratas del Caribe. Como se puede comprobar han sido muchos los ejemplos:
En realidad no se sabe con certeza quién fue el responsable del grito Wilhelm, aunque muchos se lo atribuyen a Sheb Wooley, ya que aparecía en Tambores lejanos. Este misterio no hace más que aumentar la leyenda de este particular sonido utilizado por multitud de técnicos de sonido: aaaAAAh! ¿A que les suena haberlo escuchado antes?
Aparece en el panorama del cine de animación una nueva película para el público adulto. Trata sobre la tercera edad y, más concretamente, sobre el Alzheimer. Es una cinta española dirigida por el debutante Ignacio Ferreras y está recibiendo aplausos y buenas críticas ahí donde se ha podido ver. Promete ser una historia original, distinta y llena de contenido.
Os traigo la recomendación de la mejor película que vi en el pasado Festival de Sitges (aunque sólo vi 3). Se trata del nuevo trabajo de Sion Sono. Una película tan original como radical, que se acerca a temas tan dispares como la dominación sexista, la industria pornográfica, la autorrealización, la venganza o la prostitución. Todo ello siempre desde un prisma salvaje, sin leyes, en una trama que se mueve de manera convulsa sin saber dónde irá. Megumi Kagurazaka protagoniza la cinta, aunque quien se gana toda nuestra admiración es la veterana Hisako Ohkata en un rol entre lo cómico y lo terrorífico que descolocará a todo el espectador que se aproxime a esta peculiar cinta. Una película inquietante que nos sorprenderá con cada uno de sus (muchos) giros argumentales.
Parece que la industria de animación francesa se está poniendo las pilas (ahora mismo tenemos dos películas en cartelera, el año pasado una estuvo pugnando por el Oscar y recientemente hemos recomendado otra que posiblemente no tarde en llegar). En este caso llega una propuesta con un acabado comparable al de cualquier gran producción que nos llegue de los EEUU. Parece divertida, original y en clave de musical como en los mejores tiempos de los productos Disney. A ver si da la talla.
En el cine hemos visto mucho psicópata y mucho loco suelto, pero rara vez nos habíamos topado con un personaje tan malnacido. Luis Tosar encarna a un auténtico cabronazo, un hijoputa de tomo y lomo. Y lo hace muy bien. Lo borda. El objeto de sus maléficos planes es una Marta Etura siempre sonriente y resplandeciente, quien pronto se convierte en la archienemiga del amargado portero interpretado por Tosar. Estamos hablando de la mejor cinta de Jaume Balagueró hasta la fecha. Una película que mantiene el ritmo de principio a fin y que resulta sorprendente, sencilla y agobiante. El realizador consigue que por momentos suframos por el devenir del monstruo protagonista, pese a que en toda la cinta no llega a realizar ningún acto que pueda otorgarle redención. Y entonces uno se pregunta: si por un momento me he puesto del lado de semejante personaje, ¿eso en qué me convierte?
Se suponía que iba a ver una película sobre el apocalipsis, pero el apocalipsis resultó ser tener que verla... Durante el metraje presenciamos un personaje que se suicida y pensamos: "yo también me suicidaría si fuese en parte responsable de semejante tortura". Malvenidos al mundo de la narcolepsia, del sopor, del aburrimiento... Los actores son competentes, y no se trata del peor papel de Willem Dafoe pero sí del más innecesario. Así como la muy cacareada presencia de Paz de la Huerta que se reduce a menos de 10 segundos... La fui a ver porque la firmaba Abel Ferrara. Este hombre ya no es lo que fue. Si debo encontrar algo positivo de esta experiencia sólo se me ocurre una cosa: Antes de la película pusieron un corto.
A esta película le han caído muchos y muy inmerecidos jarros de agua fría. Quiero romper una lanza por ella y por todos los que la han hecho posible, así que por favor, perdonadme la siguiente licencia:
Se trata ésta de una propuesta en verso.
Lo que digan de esta cinta no debéis tomar en serio.
Eduardo Chapero-Jackson se nos abre en canal
escribiendo y dirigiendo esta peli original.
Bella y sincera, aunque algo naif si queréis,
sigue siendo más profunda que muchas otras que veis.
Destaca la protagonista llamada Alba García,
quien debuta en esta peli y lo hace de maravilla.
Najwa Nimri como siempre, genuina,
representa en esta cinta a la madre de la niña.
Miguel Ángel Silvestre también está en el elenco,
aunque a Víctor Clavijo es más bien al que prefiero.
A propuesta del compositor Hans Zimmer se nos pide colaborar en la siguiente entrega de la saga de Batman. En algún momento del film debe haber un montón de gente coreando un grito (¡Deshay! ¡Bashala!) y se nos pide que prestemos nuestra voz para que Zimmer pueda incorporarla a la banda sonora de la película y así lograr que ese grito multitudinario sea el de todos nosotros. Si queréis grabar vuestro grito y participar así en la nueva película de Christopher Nolan podéis hacerlo aquí. Yo ya lo he hecho. ¡Venga, animáos!
Lamentablemente se ha hablado mucho más en los últimos tiempos de Lars von Trier por cuestiones extracinematográficas que por su último trabajo. Se trata de una película inteligente, dura, rasposa, difícil de digerir... en fin, una película muy en la línea de trabajos anteriores del director danés. La cinta muestra momentos de gran belleza plástica que constrastan con la suciedad de una imagen digital que retrata el grueso de la cinta. Entre un elenco lleno de rostros conocidos destacan como protagonistas Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg, que repite tras el anterior trabajo del director, así como secundarios como Kiefer Sutherland, John Hurt, Charlotte Rampling, el televisivo Alexander Skarsgård, así como su padre Stellan Skarsgård, Brady Corbet o Udo Kier en un rol curiosísimo. Se trata de una película sobre el fin del mundo original y con mucho trasfondo. Una película para ver, reflexionar y comentar. Puro von Trier.
Aunque como muchos biopics puede ser que termine siendo aburrido la película biográfica sobre J. Edgar Hoover podría darnos una sorpresa. Y es que se trata del nuevo trabajo detrás de las cámaras de Clint Eastwood quien, aún en sus peores momentos, suele resultar competente y bastante sólido. Para terminar de darnos confianza tenemos un reparto de altura: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Josh Lucas, Judi Dench o Armie Hammer. Esperemos que no se quede todo en una narración de los días del mandamás del FBI y que como película aporte algo más. Al fin y al cabo Eastwood ya lo ha hecho muy bien antes...
La verdad es que hay muchos títulos aparentemente interesantes en la cartelera que aún no he podido ver (Another year, Contagio, Criadas y señoras, Eva, Habemus Papam, Kerity, La cosa, Margin call...), así que agradeceré que quien las haya visto se pronuncie en los comentarios. Mientras tanto, como llevo mucho tiempo sin hacerlo, pongo aquí de mejor a peor las películas que sí que he visto que están ahora mismo en el cartel zaragozano.
1. El árbol de la vida 2. Mientras duermes 3. Melancolía 4. Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio 5. Un gato en París 6. Verbo 7. Pina 8. Crazy, stupid, love 9. No habrá paz para los malvados
Hace casi dos años recomendamos desde este blog la película de Michel OcelotPrinces et princesses. Tiempo después el realizador francés regresa al mismo terreno para continuar haciéndonos partícipes de estos cuentos tan mágicos y fantásticos sobre historias de amor imposibles a través de sombras chinescas. La novedad es que en su nueva película se incluye la técnica de 3D que, aunque resulta bastante sutil (en principio no hay nada más plano que unas sombras chinescas...) sí que agranda la belleza de la obra en algunos momentos (aunque la película se disfrutará casi por igual en una pantalla tradicional). La película es muy similar a su predecesora: bonita, divertida, mágica y tierna. Una pequeña joya.
El cosmonauta, película que hemos apoyado y seguido desde este blog desde hace tiempo continúa su andadura. Por fin podemos ver el primer tráiler con un material que parece excelente. Ya sabéis que se trata de un proyecto financiado mediante crowdfunding. Si queréis todavía estáis a tiempo de colaborar con este delicado proyecto aquí.
Ayer fui al cine con un amigo que me propuso ver esta película. Yo no supe decir que no, pero al sentarme en la butaca le comenté: "Creo que no me va a gustar. Me parece que mañana en el blog le haré un hueco en el infierno. Además la técnica de animación ésta me resulta siempre sumamente desagradable". Me tengo que comer mis palabras. Donde esperaba que la película dañase el recuerdo de un personaje muy querido en mi infancia la cinta logró aumentar su mitología. Y es que Steven Spielberg, quien dirige todo esto, ha conseguido pasar de unas viñetas estáticas a un dinámico juego que nos ofrece una de las cintas de aventuras más vivas, divertidas y espectaculares que hayamos podido ver en mucho tiempo (como muestra el plano secuencia de la persecución del halcón: espectacular). La historia se abre con una declaración de intenciones: Se nos muestran en planos muy cortos diferentes vestimentas y superficies durante un mercadillo. Podemos apreciar la perfección de las texturas, que no se perciben, sino que casi se sienten. El acabado del film será así de meticuloso en todos los detalles de la película (y no, no lo comparen con los trabajos de la factoría esa del flexo animado, que no hay color). La cinta tampoco pierde ocasión de hacer referencia continua al universo de Hergé, desde los títulos de crédito a pequeños detalles a lo largo del metraje, así como guiños al cine del realizador de la cinta. En fin, que se trata de una película para disfrutar todas las edades. Quizá Indiana Jones no haya envejecido demasiado bien. No os preocupéis: aquí llega su relevo.
Nacho Vigalondo es, posiblemente, el director español al que mejor se le da el autobombo. Esto no sería posible, claro está, si después no hiciera cortos o películas originales y bastante decentes (aunque en su ópera prima su egomanía le llevase a reservarse un papel fundamental en la película que resultaría en una de las interpretaciones más vergonzosas del último cine español... y sin embargo la película seguía funcionando...). La segunda película del realizador es Extraterrestre, una cinta sobre una invasión alienígena fuera de lo común: El mundo ha sido invadido por seres de otro planeta, pero los protagonistas no se han enterado porque estaban durmiendo su borrachera y no recuerdan nada de la noche anterior. La película, entre la ciencia ficción y la comedia, cuenta en su reparto con nombres como Julián Villagrán, Michelle Jenner, Carlos Areces o Raúl Cimas (¡qué grande!). Las risas estarán aseguradas en una película que dará que hablar (el amigo Vigalondo se asegurará de ello, no os preocupéis).
De la nada apareció esta película polaca que describe de forma angustiosa el sufrimiento que supone pasar por la adolescencia. No es que pocas películas hayan hablado sobre esto, pero ésta, sin ser mejor que muchas de aquellas, lograr transmitir la sensación de aislamiento y rabia al espectador de manera que llega a sentirla en su propia piel. La historia nos habla también de la incapacidad de los padres para lograr comunicarse con su hijo, la adicción a internet, la erótica del suicidio, las malas influencias, la homosexualidad, las redes sociales, el liderazgo en los grupos adolescentes... Ya con esto el trabajo del director Jan Komasa parece difícil, pero hay que añadir que gran parte de la película transcurre dentro de un videojuego, y muchas escenas están rodadas a través de webcams y otros dispositivos digitales. Entre los actores cabe destacar el trabajo de la actriz que encarna a la madre del protagonista, Agata Kulesza y también el de Jakub Gierszal y Roma Gasiorowska, que dan vida a los principales personajes de la trama. Se trata de una película original que no dejará contentos a todos. En todo caso no es una película para difrutar, sino una película para sufrir.
No soy yo muy de cine de época. Cuando el vestuario, los decorados y el lenguaje desfasado arrinconan a la historia y sus personajes creo que algo falla. Pero no estamos ante una propuesta convencional sino ante lo nuevo de la realizadora británica Andrea Arnold, quien ya ha demostrado anteriormente que sabe en qué puntos de una narración debe poner la atención. Se dice de esta nueva adaptación de la novela de Emily Brontë que es una pieza descarnada, arriesgada, visceral y de imágenes tétricas que sirven de marco estético para la adaptación de esta obra capital del romanticismo. Creo que puede convencer.
Hay películas que marcan a mucha gente. Creo que La princesa prometida es un caso típico. Yo la habré visto un montón de veces y sus diálogos resuenan en mi cabeza una y otra vez. Con motivo del 25 aniversario del estreno de la película la revista Entertainment Weekly ha reunido a su reparto en una foto-homenaje 25 años después. Por motivos obvios los muy queridos André el gigante y Peter Falk aparecen como fotos homenaje entre el resto de miembros del reparto. Si queréis verla en grande desde su fuente original podéis verla aquí. ¿Que dices que te da igual esta película? Yo tengo una palabra que te define: farolero.
Wim Wenders siempre ha sabido cómo captar belleza a través de su cámara. En este caso nos ofrece un documental sobre la célebre artista de la danza Pina Bausch. A través de los bellos espectáculos creados por la coreógrafa alemana vamos descubriendo el cuerpo humano y cómo éste nos muestra los entresijos, pasiones y sufrimientos del alma humana. La película, rodada en 3D, es posiblemente el intento más interesante has la fecha de ahondar en la tercera dimensión, algo que en este caso no perjudica a nuestra atención al film ni a estropear una preciosa fotografía. Posiblemente sí que haya que ser críticos con el guión y el montaje de la película. Las escenas que vemos pasar no se pueden criticar, pero en realidad no se nos cuenta nada y los insertos de los actores mirando a cámara son bastante terribles. Aún así la originalidad y profundidad de las creaciones de Pina, así como la sensibilidad con la que son captados hacen de este documental una pieza a ver, degustar y disfrutar.
Se trata del regreso a las pantallas del Al Pacino director, que vuelve a probar suerte con el montaje de un espectáculo teatral. Acompañando al célebre actor encontraremos a la pelirroja de moda Jessica Chastain. Pacino también reescribe el texto de Oscar Wilde en el que se basa la película. Parece ser ideal para los amantes del teatro.
A veces estás viendo una película y encuentras un plano particularmente bello y te preguntas por qué no habrán realizado toda la cinta con la misma delicadeza. Te consuelas pensando que podría dañar a la narrativa de la historia... Quizá Terrence Malick llegase a la misma conclusión y por eso abandona el mundo de la narrativa y se instala en un territorio poético donde no cabe la prosa. Lo que importa aquí es el sentimiento, una oda a la vida y al amor y a la belleza... Se trata más del transcurrir del tiempo que de lo que en él acontece. En la película hay que destacar el finísimo trabajo de fotografía, música, efectos especiales y montaje así como el de un reparto sólido (con Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain y el joven Hunter McCracken) aunque no especialmente trascendente para el fin que se persigue (la película pretende ser y es mucho más grande que cualquiera de sus personajes, incluso que la suma de todos ellos). En fin, que se trata de una película bellísima y única que se recordará una y otra vez en los libros de historia del cine.
David Fincher es un director con una trayectoria sólida y ascendente que, por fin, con su última película logró encumbrarse en lo más alto del Olimpo hollywoodiense. Ahora se atreve a adaptar el que posiblemente haya sido el libro más leído de los últimos 5 años (por el público adulto) despues de que éste ya tuviese su versión cinematográfica (interesante pero muy mejorable) en Suecia. Por las imágenes y trailers que se han ido estrenando da la impresión de que podemos estar ante una de las grandes películas del año. El reparto lo conforman Christopher Plummer, Robin Wright y Stellan Skarsgård y lo protagonizan Daniel Craig y Rooney Mara. La banda sonora es de Trent Reznor y Atticus Ross , responsables del impecable último trabajo del director.
Breve, sencilla, pero entretenida y muy bonita, esta película de animación franco-belga nos cautivará mediante sus colores y formas. Un film que toca de fondo la importancia de la buena conciliación de la vida laboral y doméstica. La cinta es adecuada para los más pequeños y, aunque su simplicidad narrativa pueda ser un inconveniente para espectadores más adultos, su belleza plástica hará las delicias de todos aquellos que se atrevan a dejarse llevar a este París nocturno tan multicolor.
El regreso a las pantallas del maestro Martin Scorsese siempre es noticia y suele ser sinónimo de peliculón. En esta ocasión el neoyorkino se adentra en el mundo del cine infantil con el añadido de realizar su primera película en 3D. Se trata de la adaptación de una novela con un original método narrativo y que desprende gran amor por el cine, su historia y sus pioneros. En el reparto estarán Johnny Depp, Jude Law, Christopher Lee, Emily Mortimer, Michael Pitt, Sacha Baron Cohen, Ben Kingsley y Ray Winstone, además de los niños Chloë Moretz y Asa Butterfield interpretando a los jóvenes protagonistas.
Grandísima la última película de Pedro Almodóvar. Después de la decepción que supuso su última cinta (comentario subjetivo, pero sentido) el realizador manchego resurge con un film frío y oscuro. Para lograr este tono Almodóvar priva a las interpretaciones de sus actores de cualquier floritura y las mantiene en el terreno de la sutilidad. Incluso el propio guión de la película parece dar pistas sobre la intencionalidad de esta elección (un personaje que no quiere maquillarse, otro disfrazado y pintado que irrumpe abruptamente en la trama con una exagerada actuación, como si en vez de venir del pasado de los personajes viniese de alguna película anterior del director...). En el apartado interpretativo destacan sobre el resto del reparto los dos protagonistas: Antonio Banderas y Elena Anaya. El terreno que pisa Almodóvar en esta cinta nos puede recordar el de trabajos anteriores como La ley del deseo o Matador, pero con la diferencia de que el cine que hace ahora cuida más la atmósfera. En este sentido es esencial el trabajo de fotografía de José Luis Alcaine (precioso, aunque como las interpretaciones, más sutil que en anteriores obras) y la banda sonora de Alberto Iglesias (con un pegadizo e interesante tema principal, aunque algo vacía por huir la película de todo sentimiento). Aunque la cinta no esté contada en primera persona sí que parece, en cierto modo, contagiada de la tibieza moral con la que ve el mundo el personaje de Banderas. Por esto es difícil empatizar con ningún personaje. Y para mí este ha sido el mayor acierto de Almodóvar ya que así nos dejamos llevar por la trama sin tener ninguna idea de dónde nos llevará, ya que no sentimos ninguna necesidad de catarsis. Resumiendo, una buena película de un director que ya tiene muchas y muy variadas buenas películas.
Nicolas Winding Refn se llevó por esta película el premio al mejor director en la última edición de Cannes, además de un montón de buenas críticas. Tanto las imágenes, como el trailer, como las diferentes escenas que se han ido publicando de forma promocional tienen una pinta estupenda que nos hacen pensar que vamos a estar ante una de las grandes películas del realizador danés (y tiene películas muy buenas). Para el reparto ha contado con Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Oscar Isaac, Albert Brooks y los televisivos Bryan Cranston y Christina Hendricks. Con semejante panorama... qué larga se va a hacer la espera...
J.J. Abrams quiere ser el nuevo Spielberg. Eso ya lo sabíamos. Pero ahora ya no tiene problemas en decirlo a voz en grito. Incluso tiene el atrevimiento de explicarlo así de claro en algunos diálogos de su última película. Pero no es desfachatez, pues después de ver esta película nos hace pensar que si quiero serlo... puede serlo. Se trata de un homenaje al cine de Amblin de los años 80 (incluso han recuperado el sello de la mítica productora, que yo no recordaba haber visto en mucho tiempo... aunque quizá me equivoque) que juega con los engranajes del sentimientos humano tal y como hacían las pelis de entonces. De todos modos Abrams consigue un film marca de la casa, y en esto tienen mucho que ver el trabajo en la fotografía de Larry Fong y la banda sonora de Michael Giacchino, quienes recuperan un poco el espíritu de Perdidos. La película está protagonizada por los niños Joel Courtney y Elle Fanning, quien de nuevo vuelve a ofrecer una sólida interpretación. Se trata de una película que todas las personas de entre 20 y 50 años deberían ver... con nostalgia.
El regreso del George Clooney director al cine político debe ser celebrado, o al menos, esperado con interés. Más aún si se rodea de un reparto con lo mejor de Hollywood: Ryan Gosling, Marisa Tomei, Philip Seymour Hoffman, Jeffrey Wright, Evan Rachel Wood, Paul Giamatti... Mañana se estrenará en Venecia y llegarán las primeras críticas. Francamente, me sorprendería que alguna de ellas sea negativa...
Interesante película independiente protagonizada por el niño Devin Brochu, pero sustentada sobre los hombros del brillante Joseph Gordon-Levitt en un papel muy interesante. Para dar empaque comercial a la peli se cuenta con Natalie Portman (aunque no se trata de una de sus mejores interpretaciones) y con secundarios de calidad como Rainn Wilson, Piper Laurie o John Carroll Lynch. Esta cinta, dirigida por Spencer Susser, no es lo que aparenta y, aunque durante todo su visionado nos parezca estar seguros de cómo va a terminar posiblemente nos sorprenda. No es un peliculón pero es interesante.
Regresa a las pantallas Francis Ford Coppola y lo hace con una cinta de misterio, o quizá de terror. La película estará protagonizada por Val Kilmer y Elle Fanning y entre los secundarios encontraremos actores de la talla de Bruce Dern o Tom Waits (siempre es divertido verlo en una pantalla). Coppola sigue emperrado en transgredir las fronteras del séptimo arte y ha amenazado con montar la película mientras se proyecta, introduciendo en la misma imágenes y sonidos de la reacción del público al verla. ¿Una locura o una genialidad? El tiempo lo dirá.
Por si os ha gustado el anterior, os pongo aquí la secuela del corto dirigido y protagonizado por Joseph Gordon-Levitt. En este, además de Lexy Hulme y Lawrie Brewster, se une al reparto Channing Tatum. A ver si algún día Gordon-Levitt decide saltar al largometraje...
El director Steve McQueen vuelve a encontrarse con el grandísimo Michael Fassbender, éste ahora con su carrera ya lanzada hacia el estrellato. También estará en la película la muy competente actriz de moda Carey Mulligan. La película trata sobre un hombre con problemas para controlar su vida sexual. Una oportunidad de oro para hacer brillar a este magnífico actor.
Joseph Gordon-Levitt tiene muchos fans entre los seguidores de este blog... y si no, debería. Aquí os pongo un corto dirigido y protagonizado por él. Es divertido e interesante, aunque desgraciadamente no lo he encontrado con subtítulos. Tiene una segunda parte que colgaré más tarde. Disfrutadlo.
Tras un mes en el que se ha hablado mucho de la visita del Papa a nuestro país podemos estar atentos del estreno de esta película que trata sobre la elección de un Papa que en realidad no quiere serlo y, tras ser elegido, tiene una crisis nerviosa. Esta película no sería noticia si no fuese porque se trata del último trabajo delante y detrás de las cámaras de Nanni Moretti, quien interpretará al psicoanalista que intenta resolver el problema. En la piel del jefe de la iglesia se meterá Michel Piccoli. La película dividió bastante a la crítica en Cannes. Ya juzgaremos por nosotros mismos...
La historia del "hombre más peligroso de Reino Unido" debería ser interesante pero ya sabemos lo aburridas que suelen ser las biografías en el cine... Afortunadamente este proyecto cayó en las manos adecuadas, las del director Nicolas Winding Refn y el actor Tom Hardy, quienes no tienen problemas en llevar esta historia hasta límites insospechados consiguiendo una película atípica y una interpretación divertida y memorable. Visualmente la película es una delicia, pero la emblemática interpretación del protagonista será recordada durante mucho tiempo. Por fin sabemos de dónde sacó Nolan a este desconocido... Ya hay una estrella más en el cielo.
Con él llegó la polémica... y no le abandonó durante toda su carrera. Vuelve Todd Solondz y seguró que lo que nos cuente volverá a hacernos sentir incómodos en nuestras butacas. Y también a dejarnos con la sensación de haber visto una buena película. En su nueva cinta vuelve a trabajar con Selma Blair y además contará con nombres como los de Christopher Walken y Mia Farrow. Otra película que los de siempre no podrán soportar...
En menos de tres minutos el realizador Patrick Jean nos cuenta lo que podría llamarse "el fin del mundo en modo arcade". Un corto divertido y delicioso. Sólo apto para frikis.
Basándose en una serie de libros que supuestamente un espíritu del más allá ha ido dictando a un medium del más acá sobre cómo es la vida al otro lado, Wagner de Assis dirige esta interesante cinta de corte fantástico (al menos para los que creemos que lo que cuenta es tan real como un billete de 30€). Cuando se rodó (y creo que todavía) se trataba de la producción más cara del cine brasileño y la verdad es que, pese a estar inflada de efectos especiales, estos son de altura y se agradece. La película no escatima en decorados y vestuario para contarnos una historia pausada y tranquila, que no es más que contarnos sobre el lugar donde viven nuestros muertos. Se le puede criticar una fuerte dosis de adoctrinamiento religioso, pero para los que seáis inmunes a su "propaganda" se trata de una película muy interesante de ver.
El cineasta español Pablo Berger se atreve con la readaptación del cuento clásico en clave de cine mudo en blanco y negro. Según sus primeras imágenes parece ser que estará ambientado en el mundo del toreo. El reparto contará con nombres como Maribel Verdú, Daniel GiménezCacho, Pere Ponce, Ángela Molina o Josep Maria Pou. La música la escribirá Alberto Iglesias y se hará cargo de la fotografía Kiko de la Rica. Parece una película original.
Ahora que va a empezar el mes de agosto quizá le apetezca a alguien darse una ducha de aire acondicionado y disfrutar de lo mejor de nuestra cartelera. Os pongo aquí los títulos que he visto, como siempre, ordenados de mejor a peor según mi criterio...
1. El hombre de al lado 2. Midnight inParis 3. Win win 4. X-men: Primera generación 5. Tournée 6. Insidious 7. Una mujer en África 8. Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte 2 9. Paul 10. Beginners 11. Betty Anne Waters 12. Piratas del Caribe: En mareas misteriosas
Hace más de 3 años os hablé aquí sobre los títulos de crédito de las películas. A mí me parece que si bien en una película son importantes más lo son en las series de televisión. Debemos verlos semana tras semana y la posibilidad de zapear y/o elegir otra serie son muchas por lo que los créditos deben funcionar bien, siendo atractivos para el público a la vez que útiles para la historia que se nos quiere contar. Todos sabemos que actualmente se está viviendo un momento especialmente dulce para las series de televisión y eso quiere decir que la competencia está muy alta.
Obviamente la que cierra la lista ha sido la elección más complicada. Para empezar me he centrado sólo en series que sigo (para juzgar bien unos títulos de crédito también debes conocer la trama...) por lo que la lista ha sido mucho más corta y me he dejado de lado algunos ejemplos que sé que están muy bien hechos y son muy atractivos (como por ejemplo How to make it in America o Treme). Por otro lado las comedias, como suelen ser de menor duración también suelen tener unos créditos más cortos y a veces esto juega en su contra. He estado pensando en poner alguna pero he encontrado diversos problemas: En algunas apenas se entiende de qué trata la serie (The Big Bang Theory), en otras no queda patente su espíritu cómico (How I Met Your Mother), otras las tenemos demasiado vistas y parecen formar parte de otra época aparte de decir ya demasiado de los personajes -lo que también forma parte de otra época- (The Simpsons) y otros son geniales pero la serie es quizá demasiado poco conocida (The IT Crowd). Había algún otro honroso contendiente (Sherlock) pero me ha parecido que tampoco daba la talla para entrar en la selección final (vale, la música no está mal, los títulos son atractivos y además se trata de una serie en la que el lenguaje sobreescrito en la pantalla es importante, y sí, nos queda muy claro que la acción se sitúa en el Londres del siglo XXI pero... ¿no estaría bien que nos indicasen de alguna manera sutil que se trata de un show sobre Sherlock Holmes?). Así que finalmente he decidido que los 5 mejores títulos de crédito de series que se emiten actualmente son (tras pensarlo mucho y no estar todavía seguro) las siguientes:
5. Mad Men
Cierto es que los créditos de esta serie no están a la altura de lo que nos encontramos después, pero es que eso es muy difícil. Esta presentación es ingeniosa por diferentes razones. En una serie en la que los decorados, el vestuario y el maquillaje lo son todo tan sólo se nos presenta la silueta de un hombre en su trabajo. Una silueta de un hombre del que no sabemos nada, en su oficina, de repente se ve metido en problemas, rodeado de anuncios de los años 60... y finalmente recupera la compostura y la elegancia sentado en un sofá con un cigarro en la mano. ¿Acaso no es eso Mad Men? Pero si analizamos los títulos de crédito detenidamente hay pequeños detalles que funcionan muy bien. En la presentación lo que cobra importancia no es la publicidad sino la silueta de un hombre cayendo. La publicidad está en el fondo. Y eso dice mucho sobre la serie, porque Mad Men no trata sobre la publicidad en aquellos días sino sobre sus personajes y sus problemas y en particular sobre el personaje que representa esa silueta negra que nada más verla ya nos hace preguntarnos ¿quién es este hombre? Otro detalle, casi subliminal está en los anuncios que se ven durante los créditos. Llama la atención el peso que tienen en ellos las figuras femeninas... y es que en Mad Men el peso de la mujer es muy importante ya que una de las tramas fundamentales es el acceso de la mujer en el mundo laboral. Pero para mí lo mejor es la imagen final. Y es que lo que nos enamora de Mad Men es que a día de hoy se pueda hacer una serie sobre lo elegante que resulta un hombre con su traje sentado, pensando, y fumándose un Lucky Strike.
Esta serie tiene en sus títulos de crédito un equilibrio perfecto entre funcionalidad y atractivo. En la literatura fantástica de espada y brujería es habitual que algunos libros vayan acompañados de planos explicativos para poder seguir la trama con facilidad. En una serie que tiene lugar a lo largo y ancho de varios continentes esto resulta de gran utilidad. Así pues al mostrarnos el plano en el que tendrá lugar el Juego de Tronos por un lado se nos ayuda a comprender todos los viajes y estrategias que se presentan en la trama y por otro se nos subraya que estamos ante la adaptación de una importante saga literaria de este género. Las maquetas en movimiento son, por supuesto, lo que hace atractivos y originales los créditos para el espectador, pero aún hay más detalles. Game of Thrones es una serie compleja con muchísimos personajes y muchísimos actores que los interpretan. Por ello, para poder saber quién es quién en la trama, al lado del nombre de cada actor se nos ilustra el escudo de la casa a la que pertenece el personaje al que representan. Un último detalle que quería remarcar es el pequeño homenaje que estos créditos hacen a los juegos de rol entorno a los que la literatura de este tipo ha crecido exponencialmente (y gracias a los que ha conseguido un montón de lectores y seguidores) y esto se consigue, de nuevo, gracias a las maquetas que "crecen" del plano convirtiendo algo literario (un plano de los habituales en los libros) a algo más real (una maqueta como las que se utilizan en algunos juegos de rol... o una serie de televisión como la que veremos después). El movimiento de la cámara sobre el plano también dice mucho sobre la serie. La cámara se desplaza sobre el plano para acercarse en cada ciudad... y volverse a alejar de nuevo. Y es que Game of Thrones consiste en eso, en irnos contando pequeños apuntes de lo que sucede en cada lugar... para entender desde un punto de vista global lo que va a pasar en el mundo.
3. Boardwalk Empire
La cámara gira en torno a Nucky Thompson, el personaje encarnado por Steve Buscemi. En una serie bastante coral esto nos deja las cosas bastante claras de primeras: él es el verdadero protagonista y todo lo que veremos después girará a su alrededor. Enseguida se nos explica que la serie trata sobre el contrabando de alcohol y mediante una serie de recursos de iluminación y también un par de metáforas visuales se nos deja claro que este hombre es capaz de todo (de lo peor, pero también de lo mejor) y que es capaz de meterse en cualquier fregado... Y al final siempre consigue lo que quiere y sale limpio para hacerse cargo de su ciudad. Lo único malo de estos créditos es que pese a lo bien hechos que están una vez vistos unas pocas veces se hacen algo cansinos. Aún así son un ejemplo de un trabajo bien hecho. Y es que responden a la idea que señalaba al principio de esta entrada: ya que vamos a verlos todas las semanas asegurémonos de que sean buenos de verdad.
2. Dexter
Los títulos de Dexter son de otra división. La primera vez que los vemos ya nos han cautivado y nos han contado mucho. Lo primero que notamos es... que son divertidos (algo en lo que tiene que ver mucho la música). Los créditos mantienen muy bien el tono de la serie. Y luego lo que vemos todo el rato son escenas que nos sugieren crimen y asesinato pero que no son más que escenas cotidianas de una mañana antes de ir a trabajar. Y en la serie esa es la dicotomía que afronta el personaje y la fuente de todas las tensiones que se generan en la serie, el equilibrio entre la vida personal del protagonista y su criminal afición. Además, al final de los créditos nos quedamos con ganas de saber más de ese personaje que nos dedica esa sospechosa sonrisa al final. Se trata de otro ejemplo en el que se nos introduce en el universo de la serie (tono y contenido), se nos dan pistas ligeras sobre lo que vamos a ver (algo que tiene que ver con el crimen y la cotidianidad) y se nos hace morder el anzuelo para que queramos ver más (ese atractivo y misterioso extraño)... y sin embargo no se nos ha contado absolutamente nada de la trama. Así son los buenos títulos de crédito y así son los de Dexter.
1. True Blood
Y llegamos a la joya de la corona de los títulos de crédito. Estos son sencillamente insuperables. Lo único malo que tienen es que son tan buenos que incluso captarán la atención de espectadores que después odiarán la serie. Creo que no hace falta que destaque lo que tienen de atractivo (las imágenes son preciosas a la vez que extrañas e intrigantes, la tipografía es muy original, la canción es sencillamente la hostia...) . Las imágenes nos presentan el sur de los EEUU en la zona del Mississippi. Se trata de un lugar con una naturaleza bella aunque peligrosa e inquietante, la gente del lugar vive cegada por la religión y el culto a las armas, tienen una reciente historia ligada al racismo, así como a las conquistas en los derechos civiles, pero en el Sur también hay pasión, atracción y sexo... algo que también puede ser peligroso (la canción ayuda a dejarnos en la mente esta idea). Y de paso, de forma casi anecdótica, gracias al cartel de una iglesia o unos niños con la boca llena de sangre se nos deja caer otra idea sobre lo que vamos a ver: También hay vampiros. Y creo que esto define mejor que cualquier sinopsis que se pueda hacer lo que se nos va a mostrar. Y de nuevo no se nos ha contado nada sobre la trama. Y sin embargo se nos ha dicho todo lo que es True Blood.
Después de hacer esta lista he notado que 4 de las 5 series que he escogido son de la HBO. Bueno, en este mundo de la televisión hay quien hace las cosas bien y quien las hace menos bien. Si alguien tiene alguna sugerencia más acudid a los comentarios. Y por cierto, si alguno descubre algunos créditos que no conocía y le gustan no os quedéis ahí y descubrid la serie en cuestión. Creo que las 5 valen la pena.
El cine perdió con Tarkovsky a uno de sus más grandes nombres. Alguien que parecía entender muy bien en que consistía eso del cine, pero que lamentablemente falleció demasiado joven (aunque según la leyenda él ya sabía que eso iba a pasar). Hizo pocas aunque grandes películas, algunas de ellas de ciencia ficción... ¿Y qué sucedería si ahora alguien decidiese hacer una cinta de ciencia ficción influenciada por Tarkovski? ¿Y si además fuera una película española? ¿Y si además nos dejasen participar en ella como productores o colaboradores? Esta es la experiencia que nos ofrece el director Nicolas Alcalá y todo su equipo de Riot Cinema. La película se está rodando ahora mismo y por ahora tiene una pinta estupenda. El cine ha vuelto.
El cine surcoreano suele ser extremo, muchas veces violento y algunas veces enfermizo. Esta es una de esas veces. La nueva película de Kim Jee-woon se encuadra en el cine de venganzas más brutal y cruel. No es una película apta para los estómagos más sensibles pero es desde luego una película muy recomendable para los amantes de este subgénero. La cinta nos presenta una Corea en la que hay un pirado suelto detrás de cada esquina, lo que en su lugar de origen la convertirá posiblemente en una cinta de terror (de hecho, podría decirse que lo es). Pocas veces se ve tanta oscuridad y tanto psicópata en una misma película. No al menos en una tan buena.
Steven Soderbergh es un director que suele generar grandes espectativas y que rara vez las alcanza. Por si acaso esta fuese una de esas extrañas ocasiones estaremos al tanto de esta cinta de acción que presenta una de esas historias tan típicas en el género, pero que contará con un gran reparto: Ewan McGregor, Dennis Quaid, Michael Douglas, Channing Tatum, Antonio Banderas y potagonizando la cinta Gina Carano. Pero si esta película debe estar en nuestro punto de mira y si he hablado de un gran reparto y no de un "reparto interesante" o un "reparto con posibilidades" es porque hay un nombre más: Michael Fassbender. Ahora la cosa cambia, ¿verdad?
Con un aura de misticismo se nos presenta esta película sobre tiempos violentos y oscuros protagonizada por Mads Mikkelsen. Es una película bella, con una estructura fragmentada por capítulos, que funciona tan bien como cinta de acción y aventuras como ensayo sobre la brutalidad, la religión, el hogar y la redención. Dirige la cinta el danés Nicolas Winding Refn, quien se está forjando una interesantísima carrera.
Para mí el nombre de Icíar Bollaín es sinónimo de seguridad. Cuando voy a ver una película con la firma de esta directora no es que espere nunca una obra maestra, pero sí que voy con la garantía de encontrar un producto serio, bien acabado y con algo que decir. En los tiempos que corren eso ya es decir mucho y por eso ya apunto esta nueva peli en la agenda, como espero hagáis muchos de vosotros. La cinta estará protagonizada por Verónica Echegui, uno de los más firmes valores del presente del cine español.
Suele ser difícil hacer una película desde la óptica infantil. Generalmente o bien no se termina de ponerse en el lugar del niño y se consigue una cinta demasiado adulta o bien se tiene un recuerdo demasiado inocente de lo que es la infancia y se consigue un resultado que se adentra en la ingenuidad y casi roza la estupidez. No es este caso. Nobuhiro Suwa e Hippolyte Girardot (quien se reserva un papel en su debut como director en el largometraje) dirigen a dos niñas que realizan unas interpretaciones excepcionales: Noë Sampy y Arielle Moutel. Se trata de una película preciosa sobre la amistad, el amor, el hogar y la separación, todo ello desde el punto de vista de una niña. Una película con mucho sentimiento y mucho que decir.
Esta película muda en blanco y negro fue una de las grandes sensaciones del pasado Festival de Cannes. Estaba entre las favoritas para alzarse con la Palma de Oro y finalmente se llevó el premio al mejor actor para su protagonista, Jean Dujardin, habitual del realizador de la cinta Michel Hazanavicius. Se narra la dificultad que tuvieron algunos actores de cine mudo en el paso al sonoro. Parece que sólo se han dicho maravillas de esta cinta y por las imágenes que han llegado parece que va a ser una pieza muy elegante. Le echaremos un ojo.
Cine experimental con mucho humor. Sergio Caballero nos propone una cinta sobre dos fantasmas que hablan en ruso que deciden hacer el Camino de Santiago para regresar a la vida. Película de gran belleza visual, ritmo pausado, humor surrealista y muchas escenas para el recuerdo. Es una cinta para espectadores que busquen una experiencia entre el cine comercial de vanguardia y el videoarte de museo (yo personalmente no soporto este último, pero esta película me pareció genial). No me cansaré de decirlo: En España se hace muy buen cine, pero generalmente coincide con las películas que no va a ver casi nadie y no se anuncian por la tele. Aquí tenemos un genial ejemplo.
Adaptación cinematográfica de un musical sobre la escena rock de los 80 con una banda sonora compuesta de grandes éxitos de la época. Se trata de una película para nostálgicos de aquella época y aquella música (esto me hace recordar la escena de El luchador en la que Mickey Rourke y Marisa Tomei tienen una conversación sobre lo grande que era esta música y cómo el grunge destruyó todo esto). En el reparto (cómo no) un montón de nombres conocidos: Malin Akerman, Russell Brand, Alec Baldwin, Paul Giamatti, Catherine Zeta-Jones y como guinda del pastel Tom Cruise. A ver qué tal les queda...
Se puede hacer cine de verdadero terror. En este caso no es que se pase miedo viendo la película. El problema viene después, cuando pensamos en lo terrible que es lo que se nos cuenta. Siempre se dice que se teme lo desconocido y por eso, mientras dura el metraje de la cinta, no pasamos ningún temor. Porque todo lo que vemos nos parece muy real. Y eso es lo que asusta, que en realidad pueda haber una familia como la de este film mexicano. Jorge Michel Grau dirige esta oscura cinta sobre el canibalismo de forma asombrosamente madura para un debutante. Con una fotografía cuidada pero que resalta lo sucio, lo turbio y lo asqueroso se nos presenta a una gente de una tibieza moral que produce auténtico espanto. Seguramente se trata de la mejor película en español del pasado año. Pero desde luego, no es para todos los públicos.
Durante mucho tiempo se han hecho diversos intentos de incorporar el mundo de los aromas al visionado de películas. Quizá el más famoso de ellos sea el Odorama que incluía John Waters en su película Polyester (quizá por contener olores escatológicos...). Esto consistía en un cartoncito que se le daba al público con diferentes números marcados que se debían rascar y oler cuando la película así lo marcaba. Este año el que va a intentarlo es Robert Rodriguez, quien va a aplicar este sistema a la nueva secuela de su saga Spy Kids (ya va por la cuarta). ¿Funcionará? Pues si me preguntan a mí diré: depende. Desde el punto de vista comercial de la cinta es posible. Yo veo todas las pelis de Rodriguez aunque sepa previamente que van a ser una mierda y sin embargo no pensaba ir a ver esta. Ahora con esto del Odorama sí que quiero ir a verla (siempre me he arrepentido de no haber podido estar ahí para ver la de Waters, así que esta es mi oportunidad). Eso sí, no creo que la película marque tendencia. ¿Por qué? Por la misma razón por la que tardó en funcionar el 3D o la versión original en los cines de Zaragoza. Mientras las novedades se apliquen a películas que van a ver 4 gatos se verán siempre como fracasos comerciales (lo sean en realidad o no). Para que esto del olor funcione se necesitaría, por ejemplo, que Spielberg lo incorpore a su próxima película (así como fue necesaria una de Cameron para que se asentara el 3D o que llegasen en VO cintas como Harry Potter o Crepúsculo para ver que aquello podía ser rentable). En todo caso lo comprobaremos en breve.
La última película del maestro del cine checo Jan Svankmajer es un viaje al laberinto de la mente. Se trata de una película que se mueve en esas turbulentas aguas entre la comedia y el drama (ritmo de comedia, temática dramática). El realizador centroeuropeo se atreve con una historia sobre el mundo de los sueños y el psicoanálisis en la que hay mucha más cantidad de animación que en sus últimos largometrajes (podremos presenciar una continua pelea entre Freud y Jung en la consulta del psiquiatra). Desde la primera escena de la película nuestra mente empieza a trabajar: Se presenta un Svankmajer animado explicando que la película se ha hecho en animación porque cuesta menos dinero, pero que en realidad el guión estaba escrito para hacer una película normal. ¿Sería esto cierto? Cuesta de creerlo cuando el que lo dice es uno de los grandes maestros de la animación internacional (y si me preguntan personalmente diré que el mejor de todos ellos) y a la vez un maestro del surrealismo, la ironía y el engaño. En todo caso ya se nos ha sembrado la duda. Una buena manera de empezar este itinerario por el mundo del subconsciente.
Hace pocos días murió Peter Falk, actor al que todos recordaremos siempre por Colombo, para mí una de las mejores (posiblemente la mejor) series de detectives que se haya hecho nunca. Pero debemos recordar que Peter Falk fue mucho más que Colombo, que trabajó varias veces con John Cassavetes, que apareció en la magistral Cielo sobre Berlín o que abría y cerraba la entrañable La princesa prometida. Hace un tiempo puse en este blog una serie de carteles que diseñé para varias series. A modo de homenaje vuelvo a poner aquí el de la serie que le dio la fama. Ahora Peter Falk se está marchando y nosotros fijamos nuestros ojos en su silueta medio encorbada y de torpe caminar esperando que se dé la vuelta una vez más y nos diga eso de "una cosa más".
Entradas
